Investigación, experimentación y producción artística. en México D.F.

Nodos académicos y equipo docente:

Ejecución y registro de la práctica creativa.
Ricardo Rendón
Artista Visual con experiencia en un amplio rango de medios: escultura, instalación, arte en red, arte sonoro y video digital. El tema principal de su trabajo es el sujeto creador y los procesos involucrados dentro de la práctica artística. Ha obtenido varios reconocimientos y su trabajo forma parte de importantes colecciones de arte contemporáneo. Desde el 2006 es miembro del Sistema Nacional de Creadores.

Sinopsis:
Es un taller teórico práctico centrado en desarrollar una plataforma de trabajo y aprendizaje colectivo compuesta por el cuestionamiento de la noción de practica como motor para la creación del proceso, el registro y la documentación, partiendo desde un enfoque multidimensional que permita construir formas de experiencia y representación mediante el entrelazamiento de distintos medios y soportes creativos. La puesta en marcha de este ambiente de trabajo esta dirigida a que el alumno encuentre desde la ejecución artística (el hacer) una posibilidad para reconocer y definir su posición como productor de las artes, desarrollando sus capacidades creativas en un escenario de trabajo determinado, revalorizando las herramientas y procedimientos presentes en su propio trabajo.
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La ceguera después de la visión: una forma de crear.
Mariana Gruener.
Maestra en artes visuales, ha participado en diversas exposiciones nacionales e internacionales. Profesora en universidades y centros culturales. Seleccionada para diversas becas. Tiene experiencia en el campo de las artes visuales, el teatro, la danza, la música y el cine.

Sinopsis:
Este es un nodo enfocado a la producción, que busca ayudar a dotar la obra de contenido y ampliar el lenguaje de cada participante. Jugar a la ceguera como acto metafórico para así poder re configurar la visión desde una oscuridad que sirva como página en blanco para crear. Desechar metafóricamente el saber para reconstruirlo en una nueva forma de entendimiento y creación. Las imágenes están en todas las expresiones artísticas, que en general utilizan bajo lenguajes establecidos y reiterativos. Analizar qué sucede con la imagen sola, la imagen y la palabra, la imagen y el sonido, la imagen y el movimiento, la imagen y el espacio, la imagen tridimensional, el taller pretende a partir de la experimentación tratar de expandir conocimientos y encontrar nuevas formas de representar nuestras ideas.
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Itinerancia: poéticas de la geografía.
Marie-Christine Camus y Neli Ruzic
Neli Ruzic, (Split, Croacia, 1966).
Artista visual, fue becaria del ArtsLink, Nueva York. Desde 1999 reside en la Ciudad de México.En los últimos dos proyectos individuales Estrategias del olvido y Cartografías del tiempo y utopías necesarias explora conceptos de memoria, migración e identidad. Actualmente colabora con Marie-Christine Camus en el proyecto Viaje a la isla (paisaje atemporal).

Christine Camus (Francia, 1954)
Después de desarrollarse profesionalmente en el medio cinematográfico y el video, se dirige hacía las artes visuales. Incursiona en el videoarte y produce sus primeros videos personales a partir del 2001. Varios están seleccionados en muestras y festivales.

Sinopsis:
La noción de viaje en sus múltiples interpretaciones y la dinámica misma del viaje serán el pretexto para la realización de una expedición por la sociedad contemporánea, las geografías personales y la construcción de la alteridad. Proponemos tomar como dispositivo inicial la poética del viaje (itinerarios aleatorios, encuentros fortuitos, espacios desconocidos..) y ciertos instrumentos del mismo (mapas, brújulas, bitácoras, medios de transporte, elemento geográficos…) para generar experiencias de desplazamientos, desterritorialización y desestabilización que se registren y se reflejen en procesos de producción artística transdisciplinaria. El curso se articulará a partir de algunos ejes temáticos como por ejemplo: Sedentarismo y nomadismo, Espacio y lugar, Turismo y extrañamiento. Las sesiones serán esencialmente prácticas aunque se alimentarán de una constante relación entre experiencia vivencial, práctica y teoría.
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Creación musical y espacio escénico.
Carole Chargueron y Lydia Margules.

Carole Chargueron. (Provenza, Francia, 1966.). Obtuvo la licenciatura y maestría en musicología en Niza y Aix-en-Provence, Ingresó a la clase de música electroacústica en el Conservatorio de Niza. Durante ese tiempo, estudió simultáneamente dirección coral en diversos cursos y seminarios así como canto. Estudia composición en el California Institute of the Arts (CalArts) con Morton Subotnick, realiza estudios de composición en el Conservatoire National Supérieur de Musique de Lyon, Francia., fue alumna de Philippe Manoury y Denis Lorrain. Reside en México desde 1998 donde ha enseñado en la UDLA (Puebla) y desde marzo 2000 dirige el taller de electroacústica de la Escuela Superior de Música (CNA). Ha compuesto piezas para cinta, mixtas (instrumentos y cinta), con procesos en vivo y una pieza para un cortometraje.

Lydia Margules. (México, D.F.,1968.) Después de terminar los estudios profesionales de actuación en el NET (Núcleo de Estudios Teatrales), realiza una estancia de cuatro años en Paris, Francia con el apoyo de la Beca de Apoyo a Estudios en el Extranjero del FONCA (1995-96) donde continúa sus estudios teatrales. Desde 1992 ha trabajado con directores como Raúl Quintanilla, María Moret, Alejandro Velis, José Antonio Cordero y Ludwik Margules. Además, en 1997 inicia su trabajo como directora con obras propias así como de diversos autores contemporáneos. Escribió y dirigió la obra “La Celebración de la Imposibilidad” proyecto con el que obtuvo la beca de Jóvenes Creadores del FONCA 2002-03. En 2006 Lydia Margules crea y queda a la cabeza de Museo Deseo Escena.

Sinopsis:
El Taller de Creación Musical y Espacio Escénico es un taller teórico-práctico de exploración, experimentación, reflexión y producción, sobre la interrelación entre los lenguajes musical y escénico, en donde el espacio es el elemento transdisciplinario que las dos disciplinas tienen en común. Los espacios sonoros y escénicos serán pues los detonadores del acercamiento, el reconocimiento y la experimentación entre los distintos lenguajes. En el taller se intentará generar relaciones nodales entre las diferentes metodologías utilizadas, creando así relaciones no lineales, no cronológicas y no jerárquicas de interdependencia entre los ejes: Investigación y experimentación, percepción y sensibilización, concientización y reflexión, análisis y notación y producción.
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Improvisación del movimiento: el cuerpo creativo.
Evoé Sotelo.
Directora General de la compañía de danza contemporánea Quiatora Monorriel, con 16 años de trayectoria artística. Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte (05-08) y del Colegio de Coreógrafos de México. Ha creado más de 40 obras coreográficas, siendo las más recientes Alma Daltónica (coproducida por la Dirección de Danza UNAM), Danza Mínima (proyecto de improvisación de movimiento, música electrónica, video e instalación) y ¿es esto un techo? (collage escénico para el estacionamiento –nivel sótano- del CENART). Ha presentado su propuesta coreográfica en México, Estados Unidos, Alemania, Costa Rica, Bolivia, Chile y Argentina. Su compañía es auspiciada actualmente por el programa MÉXICO EN ESCENA del FONCA.

Sinopsis:
Este curso propone un acercamiento a la improvisación de movimiento partiendo de una visión de disciplinariedad compleja, que buscará en su proceso expandir los recursos de la imaginación y la experimentación en múltiples sentidos, asumiendo la experiencia del contacto con el cuerpo como un método de exploración y creación artística con alcances transdiciplinarios inagotables, y continuamente renovables. En este sentido, el cuerpo se establece como punto de partida -y no necesariamente como fin en sí mismo- para la investigación, experimentación y reflexión que impulsa sus hallazgos hacia nuevos y ampliados territorios de expresión y producción artística.
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Imaginarios Urbanos: PRÁCTICAS EN EL ESPACIO PÚBLICO.
Ilana Boltvinik - Pedro Ortiz Antoranz y Arturo Ortiz Struck.

Ilana Boltvinik. Artista visual egresada de La Esmeralda, con estudios de postgrado en las Rijksakademie de Amsterdam. Ha recibido varias becas para residencias de producción artística por parte del FONCA, INBA, Fundación de Arte Emergente, entre otras para realizar proyectos en Canadá, Venezuela y Holanda. Ha tenido más de 15 exposiciones individuales en México, Holanda, Venezuela y Canadá y más de 30 exposiciones colectivas, entre las más relevantes se encuentran: In Place of Fear, IX Salón Bancomer, It’s Done, but is it dead?, la cuarta Bienal de Monterrey, así como los Encuentros Nacionales de Arte Joven XVII y XIX. Recibió mención honorífica en la XII Bienal de fotografía. Actualmente trabaja como profesora de tiempo completo en el Claustro de Sor Juana y como artista independiente en la Ciudad de México.

Pedro Ortiz Antoranz. Artista visual y ensayista. Co-autor del libro Monumentos menores: Mutaciones en el paisaje urbano (Fundación Centro Histórico, México DF, 2008). En el 2007 realizó un proyecto en Beijing, financiado por “Casa Vecina” para hacer un registro visual sobre la periferia de las ciudades chinas. En el 2004 realizó una residencia en el centro de estudios de antropología urbana Pukar, Bombay. Se ha dedicado más de doce años a la docencia en México y en España.

Arturo Ortiz Struck (1969) es arquitecto por la Universidad Iberoamericana, cuenta con una maestría en Investigación Úrbano Arquitectónia de la UNAM y es miembro de Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA. Fue profesor en el taller Max Cetto de la UNAM entre 2002 y 2004 y desde 1998 tiene a su cargo distintas asignaturas en el departamento de arquitectura de la Universidad Iberoamericana. Arturo Ortiz coordina en la actualidad el diplomado "Ciudad de M¿co. Un nuevo modelo de desarrollo" en la Universidad Iberoamericana.

Sinopsis:
La visión hegemónica y acabada de la ciudad requiere de acercamientos experienciales, críticos, y trasgresores que puedan abordar la complejidad y vitalidad del espacio público desde perspectivas múltiples y más abiertas. Se trata de utilizar la ciudad como escenario, como un taller, como un espacio de creación. Realizar una lectura o diagnóstico de los fenómenos que ocurren en el espacio público para generar proyectos creativos que dialoguen con el contexto urbano. Donde la relación artista-obra-espectador se nutre del constante intercambio y aprendizaje con su contexto, y nos brinda la posibilidad de desplazar la mirada desde el discurso del poder hacia la variedad de visiones que emergen del encuentro con la otredad.Describa con el mayor detalle posible el contenido del curso,incluyendo el temario.